音樂的傳唱度和藝術(shù)性哪個更重要

上一周，我們的《好聽的音樂都被寫完了嗎》一經(jīng)發(fā)出收獲了網(wǎng)友們不少好評，并提出了相當(dāng)有建設(shè)意義的想法。

而也有網(wǎng)友的留言，引起了我的更深一層的思考

傳唱度，也是個老生常談的話題了。一直以來，人們關(guān)于陽春白雪和下里巴人之間的爭吵就沒有停過，而音樂的傳唱度也正是這些爭吵中的中心話題。所以我們今天就想來聊聊傳唱度——它重要嗎？它和藝術(shù)性矛盾嗎？如果一個音樂人必須要在傳唱度和藝術(shù)性之間做出取舍的話，他該選哪一個？

首先說，傳唱度當(dāng)然重要。雖然我們推薦歌曲向來不會以傳唱度為唯一標(biāo)準(zhǔn)，但是很多時候，這確實是考量一個音樂作品質(zhì)量的重要指標(biāo)。畢竟，歌是寫出來給人聽的。對于流行音樂人而言，你的歌曲面對的就是普羅大眾，就是沒有經(jīng)過專業(yè)的音樂訓(xùn)練、拿聽歌當(dāng)樂子的大多數(shù)人。

其實不僅僅是流行音樂人，就算是更小眾的音樂人，他們的創(chuàng)作本意也是為了吸引喜歡他們的人來聽的。然這群人看起來體量可能沒那么大，但是也會有傳播在他們當(dāng)中的“高傳唱度”的歌，比如《Fade to Black》之于金屬樂迷，比如《Kind of Blue》之于爵士樂。無論怎么看，傳唱度都是對音樂人的肯定。

當(dāng)然我舉的這兩個例子可能不太合適，金屬和爵士樂在國內(nèi)的聽眾范圍的確比較小，但是假如放到全世界上來看，它們的知名度比你下意識反應(yīng)中的高傳唱度“神曲”都要更高。這也側(cè)面的證明了我的進(jìn)一步觀點，就是——對于不同審美、不同年代、不同喜好的人群，可能你心目中的高傳唱度，對他人毫無參考價值。

這讓我想起了前陣子的“冷門歌手”孫燕姿了。這件事起因很簡單，就是有人在網(wǎng)絡(luò)上意外發(fā)現(xiàn)了一個名叫孫燕姿的歌手，驚訝于她的作品十分好聽人卻不走紅。另一批優(yōu)越感極強的網(wǎng)友就跑出來嘲笑，連孫燕姿都成了冷門歌手，可見當(dāng)今華語樂壇之不堪了。

一代人有一代人的偶像，一代人有一代人喜歡的歌。拿曾經(jīng)的歌壇天后與現(xiàn)在尚在成長中的年輕人相比，不說有多不公平，其實根本沒有任何可討論的地方。李斯特在幾百年前也是風(fēng)靡萬千少女少婦的偶像派人物，現(xiàn)在更多是被印大學(xué)教科書上；Beatles當(dāng)年掀起的狂熱并不比現(xiàn)在的流量偶像們低，但是浪潮也更多停留在了那個年代；長輩們傳唱了數(shù)十年的紅歌，并不見得你會喜歡反反復(fù)復(fù)聆聽；你爸媽年輕時候追過的張明敏，蘇芮，王杰，也沒見有人成天播放他們的歌。我也是伴著孫燕姿，林俊杰，周杰倫的作品長大的人，他們自有他們成功經(jīng)典的作品，卻并不能成為攻訐今天的年輕人的理由。他們的歌曲曾經(jīng)傳唱度非常高，但是也被時代打下了濃濃的烙印，而其中的絕大多數(shù)音樂，其實早就被絕大多數(shù)人遺忘。

當(dāng)然，能夠在熱潮之下流傳下來，真正能穿越時間被人們奉為經(jīng)典的那些歌，必然要有高度的傳唱度——但是除此之外，還有更重要的東西。

“洗腦神曲”傳唱度高不高？高的很。很多人對現(xiàn)在網(wǎng)絡(luò)上、尤其是短視頻app中猶如病毒一樣傳播的口水歌深惡痛絕，殊不知這種音樂由來已久，并不是近些年才出現(xiàn)的�！缎⌒切恰房梢哉f是洗腦神曲的始祖了，甚至已經(jīng)傳播了幾百年。它具備了洗腦神曲的一切必備元素——簡單的節(jié)奏，簡單的歌詞，明快的曲風(fēng)和周期性重復(fù)強調(diào)的主體樂句，并且從我們還是不懂事的孩子的時候就開始在我們耳邊洗腦了。還有一個最近爆火的《蜜雪冰城》主題曲，其原版是誕生于1847年的反種族歧視歌曲《噢，蘇珊娜》，也已經(jīng)有一百多年的歷史了。

絕大多數(shù)的洗腦神曲誕生于當(dāng)下，在一段時間內(nèi)的爆火之后，也就慢慢消失于當(dāng)下了。前兩年曾經(jīng)響徹整個網(wǎng)絡(luò)的神曲，我們現(xiàn)在甚至都不大想得起來名字叫什么。它們曾經(jīng)有過極高的傳唱度，給當(dāng)時不少人帶來了樂趣，卻并沒能留下來。

我將這種現(xiàn)象的原因主要歸納為過于單一，換句話說就是，不耐聽。

洗腦神曲固然由于強烈的節(jié)奏和順耳的旋律組合讓人非常容易記住，但是，同時，也會迅速使人厭煩。因為它們聽起來全都差不多，而且聽兩遍就會不停的在腦海里回蕩，很快新鮮感就蕩然無存了。于是，人們轉(zhuǎn)而尋找下一個新鮮刺激的目標(biāo)。

想象一下，假如你下輩子只能選擇一首歌來共度余生，你是愿意選擇《老鼠愛大米》還是《Hey Jude》亦或是貝多芬的F大調(diào)第六交響曲？我向來尊重不同的人有不同的審美，你選擇什么樣的音樂作品，所能獲取的快樂都是沒有高低之分的。但是，音樂是有其優(yōu)劣的。這種優(yōu)劣說的抽象點就是曲高和寡，說的淺白點的話就是，優(yōu)秀的作品，可以讓你在反復(fù)的聆聽中始終能感受到新鮮感，有新鮮的感悟和驚喜。

這種驚喜可能來源于編曲。優(yōu)秀的編曲讓音樂層次變得更加豐富立體，不同的器樂和音色營造出來不同的質(zhì)感氛圍，因此大多數(shù)時間，對于同一首歌，大編制、空間感強的編排總是會給人們帶來更加豐富的感覺；

這種驚喜可能來自于節(jié)奏的變化。重復(fù)不斷的、毫無變化可言的節(jié)奏是僵硬的，而長短、強弱、疏密讓音樂的流動性變得更加戲劇化；

這種驚喜也可能來自于刻意制造的沖突。流暢的旋律固然讓人覺得甜美悅耳，但是偶爾刻意為之的“不悅耳”反而更能提醒你這首歌的特別之處。正如我們上周所言，流行音樂的作品空間只能越來越狹窄，因為被前人探索的差不多了；在這種情況下，有追求的音樂人會刻意去探索“不悅耳”但是具有新鮮感的空間。

對于聆聽者而言，道理其實也差不多。就好像很多人會用“舒適區(qū)”來形容人們的聆聽習(xí)慣。在舒適區(qū)之內(nèi)，人們會本能的感覺到和諧、美好、順耳，當(dāng)音樂作品適合這個舒適區(qū)，它會在其中獲得最大限度的傳唱度。但是這個舒適區(qū)空間本身是有限的，越來越多重復(fù)的、相似的旋律會讓它變得越發(fā)逼仄。但是走出舒適區(qū)是一個危險的行為——因為它過于陌生而且鋒利，甚至，可能跟你早已習(xí)慣的區(qū)域截然相反。對于聽個歌只是找樂子的人來說，這種探索顯得毫無必要——反正我只要高興就行了。

就如同在貝多芬之前，樂句是一句一句往下接的，一個主題結(jié)束了再接下一個，交錯的旋律和和聲，都是陌生的東西。又比如三全音在漫長的音樂史中一直被當(dāng)做惡魔的象征，人們不能接受這種怪異的聲響，而Black Sabbath居然完全用三全音寫下一首歌。正如我們前幾周集中介紹的工業(yè)音樂，這種怪異甚至沒有曲調(diào)的東西也能稱為音樂嗎？許多我們今天已經(jīng)習(xí)以為常甚至老生常談的創(chuàng)作方式，在它剛剛誕生的時代，都是陌生的、石破天驚的。

對于什么樣的音樂最安全、在當(dāng)下的時間最有可能傳唱出去，對于絕大多數(shù)音樂人來說，其實是非常清楚的。所以，他/她完全有能力創(chuàng)作出來適合絕大多數(shù)人審美的作品。同時也會有一部分更加具有探索精神的人，會將觸角伸到不那么熟悉的空間去，并試圖將新鮮感回饋給自己的聽眾。從這個角度來講，創(chuàng)作者的各種創(chuàng)新其實就是在挑戰(zhàn)聽眾們的舒適區(qū)。

其實這兩種選擇都沒什么錯。尤其是對于現(xiàn)在的華語音樂現(xiàn)狀來說，在很多獨立音樂人連依靠音樂活下去都成問題的同時，絕大多數(shù)聽眾卻被資本裹挾著，被迫灌輸那些低劣的音樂作品卻誤以為是自己的選擇。在這種前提下，甚至連“傳唱度”都很難說是真實的，更毋論探索新的音樂空間。

想改變現(xiàn)狀絕不是一朝一夕的事情，但是我仍舊樂于從殘酷中發(fā)現(xiàn)閃光點。能夠在這種嚴(yán)酷的現(xiàn)狀之下引導(dǎo)聽眾的審美甚至嘗試進(jìn)行自己的探索實驗。對我個人而言，傳唱度并不能證明一首歌的優(yōu)劣，同時，也不會因為它的創(chuàng)作者或者接受群體而對它預(yù)設(shè)立場。而對于聽眾們而言，我更希望的是，能夠給那些你覺得不那么好聽的歌一點寬容的空間——

而對于那些真正經(jīng)典的、歷久彌新的音樂作品，我們還是把它們交給時間吧。

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